feeder基本上属于Post Grunge一类,,说他们另类摇滚也不为过,由于地处英伦的缘故,以及主场温柔而富有磁性的唱腔,因此他们具有一切英伦乐队诸如coldplay,keane等的魅力,他们的专辑金属味并不浓烈,反而多了些惆怅和悲情,他们的音乐显得细腻而富有张力,他们的慢歌中琅琅上口的节拍加上主唱的嗓音,确实很美妙的搭配.值得注意的是他们中的贝斯手是日本人Taka Hirose.使得他们的音乐也呈现多元化,我也特别喜欢他们的solo现在清新安详,一点也没有车库乐团的狂躁,听他们的摇滚需要一颗平静的心.....

The Smiths，在英国的摇滚乐史上有着与Pink Floyd相差无几的地位，80年代最重要的具有开创性意义的乐队之一。乐队成立于1982年春，发起人物包括 Morrissey和Johnny Marr，两人均出生于曼彻斯特。在组队前，Morrissey曾参加过Nosebleeds乐队和Slaughter & The Dog乐队，并为《Record Mirror》杂志写过专访及乐评。而Marr也曾参加过Paris Valentions、White Dice、Sister Ray和Freaky Party等乐队。在1982年夏天，两人准备录制作品，在经过一段时间后吸收了鼓手Mike Joyce和贝司手Andy Rourke，四个曼彻斯特人组成了The Smiths。

乐队的灵魂人物Morrissey是一个同性恋者，他的独身态度开启了人们对人类性行为反思的大门，他常站在人文主义的立场去审视世界，而小报记者则对他充满了猜测：关于他的性功能以及他出色地把握诸如动物权利、王权、唯美主义、作家奥斯卡·王尔德和60年代电影等各种题材的能力。Morrissey曾在自传体的歌曲Heaven Knows I'm Miserable Now尽情咏颂过生命的痛苦，这首歌成为英国榜的19名。

1985年夏，乐团增加了第二吉它手Craig Gannon。1986年6月，乐队发行了乐团历史上最重要的一张唱片《The Queen Is Dead》。

作为80年代初英伦最著名最具影响力的乐队之一，The Smiths对英国80年代的新浪潮（New Wave）、新浪漫（New Melody）甚至90年代的Britpop运动都有着很大的前瞻作用和深远的影响，尤其是其对英国吉它流行曲的发展，作出了自己的贡献。

暗黑色的唱片封套印照着一种冷峻、严肃的气质，乐队的照片也是黑白的，透着英国人特有的感觉。如果你注意的话，唱片的扉页里写着一句话"take me back to dear old blighty”，回家，回什么家呢?

进行曲式的音乐响起，Morrissey冷漠地在节奏中起舞，标题曲显得辉煌而又幻灭， the Queen不是英国女王，而是撒切尔夫人，一个铁女统治的英伦时代，世界是变化的或还是一陈不变，而强人统治和偶像能带给世界什么呢。歌的结尾处， Morrissey吟唱着，"life is very long / when you're lonely”。在专辑的其它地方，也可以感受到The Smiths对历史对生命的疑惑和忧虑，只是The Smiths 没有直白地言论，而是用象征或隐喻将景象无限放大，你仿佛看见在缓慢的律动中，生活给予你的残酷"Oh mother，I can feel the soil falling over my head”"I had a really bad dream / it lasted 20 years，7 months，and 27days / Never had no one ever”，当在Never had no one ever中的口哨声响起时，生命和历史在不停的抖动中呈现了残酷的美。

而在像Frankly, MR Shankly、Big mouth Strikes Again、Some Girls Are Bigger Than Others这样的曲子中，The Smiths则用诙谐幽默的笔触诉说着一个个夸张的喜剧小品。专辑中的其它曲子也大多用叙事的方式在轻快的节奏中让你体验生命的短暂欢乐和由此发出的质问。

在那首著名的There is a light, That Never Goes out中，那种罗曼蒂克的、英雄主义的氛围盘旋着，一种无望之后的希望，那一点亮光，是绝望里的一个美好象征。"Oh God / my chance has come at last”"take me anywhere，I don't care / just driving in your car / I never never want to go home / because I haven't got one / I haven't got one”。联想起唱片扉页里的那句题说，The Smiths的追问也就是，有物化的家园，却无精神家园可归。The Smiths没有给我们答案，他们在冰冷的节奏里欢快而麻木地舞动着，The Queen Is Dead，Punk is dead，在The Smiths那里，已经听不到咆哮和直白的愤怒，他们轻轻地把自己包裹好，在冰冷的美好里用节奏和旋律涂抹着灰白的画卷，掩饰青春和历史的症侯。这张专辑可以让你忧伤地起舞，也可以笑着哭泣。

队/艺人： H.I.M.   查看该乐队全部信息   给乐队打分

风格： Experimental Rock（试验摇滚） Post-Rock/Experimental（后摇滚/试验）



Ville Hermanni Valo，一个习惯自嘲的硬摇滚先锋，又是个痛苦欲绝的诗人。在台上时，他一手拿着瓶红酒一手叼着支烟，好象就是以前Jim Morrison的翻版，只不过Valo的嗓子更加低沉而富有情感，他会不断引起你的注意。Valo的母亲是匈牙利籍移民，因此这也难怪Valo的外表阴暗，就好象体内流着吸血鬼Dracula的血液一样。HIM便是His Infernal Majesty的缩写。这就是他——曾经在他父亲的性用品商店里工作。那段时间里，这个集天使般的面容和魔鬼般的微笑于一身的孩子看似一切正常，但他一直有个梦想。当周围的音乐让他醒悟后，这个孩子开始追求更多东西。他觉得很多音乐缺乏灵魂和想象力，他希望要一种音乐——可以感动你，让你痛苦流涕，在你的心灵上留下深深的痕迹。然而他最终实现了他的梦想……
那个时候，有三个家伙想用音乐表达自己的想法，这群家伙从童年开始就是好朋友。他们是Ville Hermanni Valo,Mikko Mikko Lindstrom(也叫Linde,Lintti或者Lily Lazer)以及Mikko Paananen(别名Migé Amour)。最一开始，Ville弹贝斯，可因为Mige也是弹贝斯的，所以Ville开始做主唱。HIM成立以前，Ville在一个叫Donits-Osmo的前卫乐队里做贝斯手。之后也和Ultra Bra的几个人一同尝试过合作。Ville做了些样带放给Mige听，Mige立即被吸引住了。他们现在要成立一个乐队，找来了他们熟悉的Linde做吉他手后，就缺个鼓手了。Ville的新朋友Suho（Jimsonweed的主唱）给了他Patak的电话号码（真名是Mikko Rantala），乐队就这么形成了。Patak来自Lappeenranta的一个车库摇滚乐队Slumgudgeon。（乐队其他人嘲笑老是Patak的出身，因为Lappenranta是个芬兰东部的一个小镇。）。
“其他人都认为我是一个象阴险的女人般的男人——无可救药，乐队的名字就代表着我的这种声望，有时候我也点生气。His Infernal Majesty无论如何与宗教信仰或者意识形态一点都没有关系——作品内容里的666和野兽的数字也没有联系。有时候当我读到一些人去焚烧芬兰历史悠久的教堂或者用我们的名字与Black Sabbath和Dimmu Borgir联系起来作为命名灵感时，我对这些人感到愤慨！”
Ville Hermanni Valo最后在1995年夏天组建了HIM，在周围的是他的一些老朋友，这些人共享着Ville用来称呼他自己“love metal”的美誉。Ville对于爱情金属是这么说的，“爱情金属包括着流行、金属、歌特、魔幻等元素。这是由第一次接触、第一个初吻的感觉所激发的。爱情金属就象Gone with the Wind电影海报画的那样——Clark Gable在夕阳下紧紧拥抱着Vivien Leigh。”
在他们最初的演出中，确实没有多少自己的音乐可以用来表演。他们的音乐混合着Rauli Badding Somerjoki,Dingo,WASP,KISS,Depeche Mode,Type O' Negative的风格。Ville认为他们的音乐应该象在David Lynch拍的电影中Dimmu Borgir和Depeche Mode的结合。于是乐队（事实上是Ville）开始创造自己的音乐了。
HIM的第一张EP发行于1996年秋天。名字叫“666 Ways To Love”——在唱片封面的照片是Ville母亲年轻时候的照片。这张EP里的“Wicked Game”听起来就象是Chris Isaak式的流行金曲，不过对于他们是个重大的突破。歌曲以柔软的吉他表现着有如电视连续剧“Twin Peaks”中的那番情感。
1996年末，Ville为69 Eyes的专辑“Wrap Your Troubles In Dreams”配了背景和声。乐队的EP发行之后他们召了一名新成员——键盘手Antto Melasniemi，他也是Ville的一个老朋友。同时乐队的名字也给改短了——现在它干脆简称HIM了。
“Wicked Game”是他们在1997年秋发行的首张专辑中的“重要主题”。专辑中强有利的吉他丰富了HIM的音乐形象，但歌中自我反省的的精神本质仍未改变。.
“我十分能体会那首歌中所体现出的情感，这些也就是在我们音乐中所表现的忧郁之情。与其他精力充沛的金属乐队比起来，我毕竟有与Chris Isaak有更多的相似之处。我讨厌兴高采烈的音乐！For You是首吵闹却令人快乐的歌曲，你一定明白我的意思是吧？When Love and Death Embrace从另一个方面来体现着我对那些80年代枯燥乏味的流行民谣的看法。”
HIM的首张专辑——Greatest Lovesongs, Vol. 666有首单曲叫Your Sweet Six Six Six。对于Ville和HIM来说，666代表着所有的矛盾——相爱中的神和魔。爱情比生活本身更为广阔却又十分接近死亡，在肉欲、纯洁和精神之间不断徘徊。
“666代表着你一直拥有、你必须得到却会最终摧毁你的那种东西。这种东西很甜美但回味中又带有苦涩，就象比利时啤酒那样，哈哈哈哈……”这就是那个在Greatest Lovesongs, Vol. 666封面上的那个不男不女的Ville Valo，周围是燃烧着的火焰。这就是Ville Valo，当初纯粹为了看Gene Simmons表演时的烟火而开始学习弹奏贝斯，从此开始了自己的音乐生涯；这就是Ville Valo，认为舞台表演对于自己就是种精神自慰。这个曾经在性用品商店里打工的男孩如今有了自己的乐队HIM，他们还刚刚发行了90年代最有影响力的处女作。
这张单曲碟里还有首是慢唱的“(Don't Fear) The Reaper”，这首单曲最早由Blue Oyster Cult于70年代录制。“你可能会说Romeo和Juliet在我们的音乐中是男女主角——这也是为什么我们要放入(Don't Fear)The Reaper这首单曲。我第一次听时是Halloween的翻唱，到现在还记忆犹新。”
HIM从此以努力的工作为他们的未来做安排。乐队第二张专辑一开始名为“Slippery When Dead”，是献给Ville最喜欢的Bon Jovi。本来这张专辑是安排在1999年春天发行的，但他们遇到了一些问题。Antto在1998年秋天离开了乐队，并被Jussi-Mikko Salminen顶替（别名Zoltan Pluto或者Juska）。Juska是HIM的铁杆歌迷，来自Kouvola的一个魔幻乐队Mary-Ann。他和HIM的首次合作是乐队1998年11月在德国做的第一次友情演出。1998年末HIM那时在德国、奥地利和瑞士进行了一系列巡演。
1998年末Ville再次为the 69 Eyes的专辑“Wasting the Dawn”配和声，他还积极帮助主音的前期制作，并为专辑的完成提供了良好的指导。
他们的专辑几乎用了整个1999年去录制。他们和Patak一起工作，但这并没有让乐队满意。由于Patak的女朋友怀了孕，他不再百分之百地扑在乐队的工作上。因此Patak最终离开了乐队并由Mika Karppinen替代了他的位置（别名Gas Lipstick或者Kaasu）。Kaasu从前是Kyyria的成员。于是HIM在威尔士重新录制了专辑。1999年11月，他们最终发行了新EP“Join Me”，并出现在Roland Emmerich的电影“The 13th Floor”中。这首单曲发行后，在芬兰、德国、奥地利和瑞士迅速走红。在他们发行第二张专辑以前，HIM也为其他芬兰乐队做客串，比如客串Nelja Ruusua的MV以及录制“Hunningolla”这首单曲。在一个叫“Laulava Sydan”电视秀中Ville就和the Agents一起唱了Rauli Badding Somerjoki的三首歌（这些歌发行于一张芬兰艺人的合辑中）。
2000年1月HIM发行了他们第二张全新专辑，名字却改成了“Razorblade Romance”。这张专辑在芬兰、德国和奥地利都有排行第一的好成绩。专辑的封面采用80年代的式样，一改歌特的黑色，以粉红色为背景。在春天（具体说是于德国的情人节）乐队继续发行了乐队的第二张EP“Right Here In My Arms”。这张唱片在芬兰一举登上排行第一的宝座，在德国名列21位。
6月17日HIM在家乡芬兰进行了2000年唯一一次的客串演出，是和前卫金属乐队Seinajoki一起。同年春天HIM发行了第三张单曲碟“Poison Girl”，这张唱片最好的成绩在芬兰名列第三，德国第34。当7月过去8月来临之时，HIM已在Hollola录制样带准备发行新专辑，当时已有谣言说，乐队已经完成了11首新的单曲了。
此时HIM在希腊也越来越为人们所知，唱片的销量也一下窜入排行前十的位子。此时Ville再次回去为the 69 Eyes准备于2000年9月发行的新专辑做背景和声。
2000年八月，HIM去英国拍了两个MV，准备马上发行。同时也有谣传说Desmond Child参与了新专辑的制作——Desmond Child是Bon Jovi和Alice Cooper著名的作曲者。

过来顶一下小D!

“我不想作耶酥，我只想作撒旦，”这是英国乐队“安慰剂”（Placebo）的主唱布莱恩·莫尔克（Brian Molko）在一次采访中抛给记者的一句话。没有眼影，没有唇彩，没有吉他，你永远
不会把这个身高只有1.69米、骨瘦如柴的男人放在眼里。而当他经过精致的化妆出现在舞台上，当他弹着爆裂的吉他出现在唱片里，没有人会再忘掉他，“我想长得更高，我想变得更性感。而当我站在舞台上，我就可以实现所有的一切。”对保守而古板的“道德先生”来说，他是撒旦；对每一个“安慰剂”的乐迷来说，布莱恩则是他们/她们心中的耶酥。

　　从1996年发表第一张同名专辑到现在，“安慰剂”经过了七年的成长，出版了四张专辑，换掉了一个鼓手，卖出了三百万张唱片。当然更容易被人们——尤其是善于炒作的英国媒体——提起并记住的是乐队成员“丰富多彩”的性取向：鼓手史提夫·荷维特（Steve Hewitt）是异性恋，贝斯手史蒂芬·欧斯戴尔（Stefan Olsdal）从六岁起就发现自己注定是一个同性恋，而布莱恩呢？他无所谓男女。在相当长的一段时间里，媒体争相追逐的一个焦点就是布莱恩昨天晚上又和谁睡过了以及与此有关的无聊问题。而说话满嘴跑火车的布莱恩也总是语不惊人死不休地为媒体提供足以引起所有人注意的话语：“我内心有一种想成为一个女孩的强烈愿望。我相信如果我是一个女孩，我会比现在更有力量……我想像一个女孩那样有月经，我想体验看着一个生命从自己身体中分离出来的感觉，那一定是一种深刻的幸福，而男人永远不会感受到这种幸福，也许这就是为什么我们总是像一头野兽。”

　　尽管“安慰剂”是一支英国乐队，他们的历史却要追溯到八十年代的卢森堡。那时布莱恩和史蒂芬在当地同一所学校里念书。他们彼此认识却几乎没有说过什么话。“七年的时间里我们可能只交流过一句话，”布莱恩回忆道。随后，不甘心步父亲的后尘去银行工作的布莱恩迁到了伦敦，在“金史密斯学院”（Goldsmith's College）学习戏剧，与此同时追求自己在音乐方面的发展。也许是缘分，也许是巧合，拥有瑞典国籍的史蒂芬也来到伦敦学习音乐。他至今仍能清晰地回忆起当他第一次在酒吧里看见布莱恩演出的情景，“我爱上了他的声音和他弹吉他的方式，他是如此地与众不同。很快我们就发现我们彼此间有很多相同之处，这是我们以前从来没有想到的。”就这样，他们两人和另一位来自瑞典的鼓手罗伯特·斯卡尔兹伯格（Robert Schultzberg）组成了“安慰剂”（Placebo）的最初阵容。

　　从1995年起，他们开始在大大小小的俱乐部作演出，和他们一起表演的还有当时没有出名的“灰”（Ash）、“灌木丛”（ Bush）等乐队。仅仅一年以后，他们得到了与Hut公司的一纸合约。当乐队的第一张同名专辑《安慰剂》（Placebo）出版的时候，正是Brit-pop风头正劲之时，而偏偏这却是一张反Brit-pop的唱片，激烈、狂乱、破坏，朋克与噪音充满了每一个角落。布莱恩将他在卢森堡所经历的无聊与痛苦全部发泄在这里，性与毒品统治了专辑中大部分歌曲。乐队也因此而被人们称为Glam Rock版的“涅磐”（Nirvana）。专辑给乐队带来了英国本土13万张的销量、一首Top 5单曲《南茜男孩》（Nancy Boy），还有许多个表示欣赏与称赞的电话——其中几个最有名的分别来自U2、R.E.M、大卫·鲍伊（David Bowie）以及电影《丝绒金矿》（Velvet Goldmine）的导演。正是在这个时候，乐队原鼓手罗伯特因为与布莱恩的激烈冲突而离开了乐队，取而代之的是现在的史提夫·荷维特（他被要求在一个星期之内学会乐队第一张专辑中的所有歌曲）。事实上，在认识史蒂芬之前，史提夫一直就是布莱恩在音乐上的搭档，只是当初由于他还参加了另一支名叫“哺育”（Breed）的乐队，才没有成为“安慰剂”的第一任鼓手。这个小小的波折并没有阻止乐队在成功的道路上越走越远。在《南茜男孩》登上英国榜第四名的同一个月，乐队以特邀嘉宾的身份参加了大卫·鲍伊在纽约麦迪逊花园广场举行的50岁生日会，并在宴会上作了表演。对于一支新晋乐队而言，他们几乎得到了可以得到的一切。接下来的问题是，他们如何继续这种成功，或者他们根本就是支出一张好碟就沦为平庸的“潮流泡沫”？

　　“安慰剂”选择的是前者。1998年的《没有你我什么也不是》（Without You I'm Nothing）毫无疑问是一张经典专辑。这一次，“安慰剂”的音乐变得更慢，更深沉，更内敛。另一个不同是，乐队所有成员都参与了创作，而他们的前一张几乎是布莱恩一个人写出来的。如果你喜欢首支单曲《纯洁的清晨》（Pure Morning），那么你应该感到庆幸，因为这首歌曲原本并没有收录于专辑之中，“我们把做好的专辑交给唱片公司，感到终于没有压力了。第二天早上我们走进录音室开始做B-side，到晚上就录好了这首《纯洁的清晨》（Pure Morning），然后我们突然发现让这首歌做B-side实在是太委屈它了。”这首有着约翰·邦汉姆（John Bonham）式鼓点的歌曲在成为乐队又一首英国榜No.4作品的同时，也破天荒地受到了大洋彼岸美国MTV台的观众的欢迎。尽管专辑中诸如“Brick Shithouse”的歌曲又似乎让人们感到了上一张专辑中的“青少年焦虑”（Teenage Angst），但在大部分时间里，“安慰剂”都是归于平静的。在慢版华尔兹和钢琴的引导下，人们第一次听到布莱恩用最温柔的语气唱出“可爱的王子，你是我的唯一”这样的句子。而当你以为一切会随着《汉堡女皇》（Burger Queen）中“治疗”（The Cure）式的吉他尾音安静地结束时，“安慰剂”却在最后的隐藏轨歌曲中再次变得狂躁不安。这首名为“Evil Dildo”的隐藏轨乐曲中穿插着一些不怀好意的人在布莱恩的电话留言里留下的污言秽语。没有人猜得到乐队这样做的意图。对此，史蒂芬的解释是：“我们确实被那些话吓到了。想想看，你凌晨三点回到家里听到的竟是这些！于是我们说，好吧，去他妈的，我们要把你说的话放在专辑里来卖钱。”

　　除了音乐，乐队还抽空在描绘华丽摇滚的电影《丝绒金矿》（Velvet Goldmine）中扮演了一支叫做“烈焰傀儡”（The Flaming Creatures）的乐队（尽管只有四个镜头）并为其原声大碟翻唱了T-Rex的《20世纪男孩》（20th Century Boy）。与此同时，乐队与大卫·鲍伊的良好关系也在继续发展。除了一起灌录了单曲《没有你我什么也不是》（Without you I'm nothing）以外，在1999年的英国音乐奖（Brit Awards）颁奖典礼上，他们合作表演了《20世纪男孩》。当身材颀长的鲍伊同瘦小的布莱恩站在一起狂飙吉他时，布莱恩看上去更像是鲍伊的孩子（女儿？）。这之后的一年，他们推出了第三张专辑《黑市音乐》（Black Market Music），将他们前两张的精华整合在一起，并开始涉及诸如私自拥有枪支、自杀率上升等严肃的社会问题。在这里，你可以听到“化学兄弟”（The Chemical Brothers）和“原始尖叫”（Primal Scream）对乐队的影响，你还可以听到来自“人行道”（Pavement）乐队的采样[《薪资奴隶》（Slave to the Wage）]，你甚至可以听到Rap的声音[《恶意与预谋》（Spite & Malice）]。在布莱恩眼里，《黑市音乐》专辑和上一张很相似，有着许多扭曲的情歌，只是“性”的成分明显减少了。这张专辑获得的外界评价是褒贬不一的，毕竟在出众的《没有你我什么也不是》专辑之后，一张仅仅维持水准的专辑是不会让所有人心满意足的。在推出了三首单曲之后，他们便从人们的视野中暂时消失了。

　　进入2003年的春天，苦等了三年的歌迷终于盼来了乐队的新专辑《与鬼魂共眠》（Sleeping with Ghosts）。“安慰剂”被某些人称作视觉乐队，事实上比乐队的外型更有冲击力的是他们的专辑封面（还记得第一张专辑上那个揉着眼睛的小男孩吗？）。这一次出现在封面上的是一个赤裸着上身的男性拥抱着一个女性裸体——一个经过Photoshop处理的被虚化了的形象。这个虚幻的、幽灵般的女人恰到好处地配合了专辑的名称——布莱恩解释说专辑是关于他自己拥有过而现在不复存在的那些“关系”，而那些从他生命中消失的人现在看来只是一些幽灵而已了。这样一种解释让人们对于歌词有了更大的兴趣。而事实上，布莱恩这一次放弃了过去经常使用的涉及毒品和性的字眼，变得更内省，也让歌词读起来更像是一本私人日记。但我们还是可以从字里行间窥探到他内心深处的伤痕：“或许我们都是命运的受害者/还记得我们曾一起狂欢/喝高直到深夜/而今我们都已孤独。”[《保护我免受欲望诱惑》（Protect me from what I want）]。布莱恩在解读歌词的含义时总是提到“自我毁灭”这个词。也许在卸掉了浓妆、剪短了头发之后，他和每一个普通的歌迷一样，有着敏感的心灵和失落的过去，“我需要一份真正的感情，一种可以让我得到足够安全感的关系。我希望那个人不是因为我是一个成功乐队的主唱才要和我在一起。”

　　当然感情并不是乐队的唯一主题。“安慰剂”是一支有着政治立场并善于表达的乐队。在他们眼里，艺术家最大的责任在于关注世界并将这种关注体现在自己的作品之中。在2000年的一次采访中，布莱恩被问到新世纪里他最希望改变的事情是什么，他的回答是“中东的局势”。而至今仍没有改观的形势让他在新专辑中发出了这样的感叹：“让我们互相仇视的宗教有什么好处？”他在歌中诅咒政府，诅咒他们的屠杀与谎言。而在巡演中，他也不遗余力地宣扬乐队的反战立场。在不久前的一次演出上，这支英国乐队通过更改《薪资奴隶》中的歌词来表达对英国参与对伊作战的不满：“我已厌倦了托尼的农场/他是布什的断臂婊子。”[注：托尼即英国首相托尼·布莱尔（Tony Blair）]。

　　鲜明的政治观点与开放的生活态度让乐队赢得了许多欧洲本土青年的支持。那么音乐呢？早在专辑发行之前，乐队就已放出话来，这一次他们会做得更电气化，也会把音响效果做得更精致，而不至于像以前的歌曲那样听起来更像是昂贵的demo。这样的声明不禁使人想起了“碎瓜”（The Smashing Pumpkins）的《崇敬》（Adore）和“山羊皮”（Suede）的《头号音乐》（Head Music）。巧的是这三张专辑分别是这三个乐队的第四张录音室专辑（“山羊皮”之前的《sci-fi lullaby》因是B-side精选故不算在内）。《崇敬》惨淡的市场反应让“碎瓜”失去了继续下去的信心，《头号音乐》的失利之后“山羊皮”只得转向温暖而简单的音乐路线。那么“安慰剂”呢？他们做得很好，至少没有失去他们以前的歌迷。这些歌迷喜欢第一支单曲《痛苦结局》（The Bitter End），更喜欢《英国夏雨》（English Summer Rain）中鼓机循环带出的冷感与勾人的节拍。“这是我第一次从鼓的部分开始来写一首歌，”布莱恩说道。很明显，乐队对诸如DJ Shadow的一类东西着了迷并尝试突破一直禁锢着自己的框框。在《有些东西糜烂了》（Something Rotten）中，他们甚至玩起了雷鬼乐，“这对吉姆来说是个挑战，而他很好地应对了这个挑战。”吉姆·阿比斯（Jim Abbiss）是新专辑的制作人，曾经为比约克（Bjork）的许多专辑混过音。他的电子背景让乐队找到了他，“和吉姆在一起玩电子的时候，我们就像是一群头一次走进糖果店的小孩子。”当然，如果你依旧怀念《我可爱的王子》（My Sweet Prince）、《夏季已去》（Summer's Gone） 这些歌曲的话，你就会喜欢《保护我免受欲望诱惑》、《折中》（Centrefold）。也许你要花更多的时间来喜欢整张专辑——不过你迟早会接受它的。它就像是套上了一层诡异与抽象的外壳，而内核依然是以前美丽、冷艳的“安慰剂”。

　　当布莱恩12岁那年第一次在卢森堡的学校里见到史蒂芬时，并没有跟他讲什么话，因为“他是运动健将，有很好的人缘，而我只是一个出现在错误的时间、错误的地点的失败者”。然而命运却安排他们在几年后的伦敦相遇，当布莱恩大喊着史蒂芬的名字时，史蒂芬甚至尴尬得想躲开。然而一切就这么开始了，一直到今天，并且故事会继续延伸下去。“我们总是要不断证明自己，”布莱恩这样对记者说，“因为如果你以一副邋遢懒散的摇滚明星的样子回到公众面前，你得到的只能是竖起的中指。而我们是以战斗的姿态回来的。”

老實說，如果你是後搖滾樂迷，應該要毫不猶豫地把天空大爆炸的專輯加入你的收藏當中，來自德州奧斯汀的天空大爆炸以三把吉他的能量將天空爆破，猶如一道白色閃電劃破天際，其高頻足以震攝大地之萬物。如果你對後搖滾一無所知，或者你不是後搖滾愛好者，認為後搖滾這個名詞只是騙人的玩意兒，那麼你更應該來聽聽Explosions in the sky，這個年輕的四人新樂團會告訴你後搖滾不只是後搖滾，打破你的成見，讓你對後搖滾這一種類的樂風另眼相看。 無論你是否知道加拿大的Godspeed You Black Emperor或者是英國的Mogwai，這一切都不再重要，因為天空爆炸已經擁有其獨特不可取代的元素，一個值得你靜心聆聽的樂團。

該如何解釋這個成軍兩年半的樂團所發行的第二張專輯在我心目中所擁有的地位？就算抓破頭進而把頭髮拔光也無法利用完整的句子來描述這種難以言喻的悸動，一言難盡，千萬言也無法道出。只好俗氣的用上兩個簡單的文字：經典。或許大喇喇的把『經典』這一個名詞加諸在Explosions in the Sky的身上會令一些資深的音樂聆賞者感到過譽，但是這個年輕的樂團的確在我的心靈深處烙下了不可抹滅的深刻烙印，狠狠的，就像扒光了身上的所有衣物殘酷地將我綁在刑求台上，再將被熊熊火焰染紅的熾熱鐵塊一股腦的往我身上猛砸。

天空中的大爆炸，轟隆的在我身體中剎然引爆，留下了滿地屍塊，享受著被引爆的快感。

這個來自德州Austin的四人樂隊，僅僅利用了傳統三件式的搖滾樂器就成功的營造出令人顫慄史詩畫面。《Those Who Tell the Truth Shall Die》專輯封面利用灰暗的色調襯底，以金黃色的溫暖光亮將天使的出現披上了無窮的希望。正在壕溝裡的士兵苟延殘喘，無情的子彈正急速地朝向脆弱而恐懼的頭部而來。鋼盔(？)這種圓形的笨重物體如何能抵抗心中那種因無助而害怕發抖的恐懼？只有上帝，能夠暫時解放無辜士兵的心靈，即使是來自飛機上的燈光也無所謂了，我真的看到了天使，帶著大量嗎啡的天使讓缺腿的士兵們安心離開了醜陋無情的世界。

在《Those Who Tell the Truth Shall Die》發行之前，Explosions in the Sky曾經錄製了一張名為：《How Strange,Innocence》的作品，這張作品只少量發行了三百張，據該團團員自己說道：樂團的某些人對於第一張專輯感到非常驕傲，也非常的喜愛這張作品，而其他人卻想把那三百份CD通通買回來燒掉。其實第一張作品可以算是不過不失之作，沒有特別的過人之處，但卻也明白的宣示了Explosions in the Sky的創作理念：Instrutment Rock，僅僅利用樂器間的交互彈奏來激盪出令人興奮的跳躍音符。在《How Strange,Innocence》之中，可以明顯的見到他們的音樂架構在一般後搖滾/緩飆樂團的常用的手法上：緩慢、急速、緩慢。

在聆聽該團的第二張專輯《Those Who Tell the Truth Shall Die》之時，我承認有部分的片段令我聯想到了Godspeed You Black Emperor！那種荒涼頹敗的景象頓時在我腦海中浮現，但是Explosions in the Sky的涼頹敗的景象頓時在我腦海中浮現，但是Explosions in the Sky的音樂比起Godspeed來又多了一份粗糙原始的情感，那種急速的爆炸聲響甚至比Mogwai的Feedback音牆更具渲染力。但是千萬不要以為他們僅僅是玩弄音箱及效果器的樂團，Explsions in the Sky在爆炸與爆炸之間的鋪陳彈奏，那種極有感情的音符，遠遠的擺脫了一大票後搖滾樂團。不得不承認這張作品是令我痛哭流涕的傑作。如果你還沒聽過Explosions in the Sky，就去找來聽吧，文字，老早已經不再重要，重要的是讓你的聽覺沉溺在音符中，去感受他們想要告訴你的故事。

音樂不斷的從耳機裡面傳來，天使，走了嗎？就算天使早已遠離，戰爭早已結束，那種酷似嗎啡的藥效，仍然在我的血液裡殘存著。

七十年代纽约的地下音乐是Punk乐的发源地。艺术家们在一家叫CBGB的俱乐部里四出活动，音乐风格既叛逆又简陋。朋克乐团的成员多半削着短发，身着细瘦的黑色牛仔裤，涂鸦的Ｔ恤，破旧的运动鞋。著名的朋克女诗人Patti Smith 就是其中重要的代表人物。她敏感颓废和暴躁的艺术性格在当时十分引人注目。她的表演完全无视音乐演奏的合理性，神经质刺耳的嗓音在毫无感情色彩的钢琴映衬下，从她软性的嗓子里不可思议地爆发出来，直至支离破碎。她的情绪总是在女孩的易伤和斗士的刚毅之间游离，她的舞台表演就像是一次声音的极限试验，充满着窒息感，强烈的音乐和情绪反差在她丝毫不动声色的演绎下显得出人意。

Patti Smith的诗词，敏锐地触摸到了时代冲击下的现代都市青年的情感失落，富有强烈的冲击力。

Patti Smith在70年代早期是一个教徒，曾在一个唱诗班作过领唱。她的音乐直接师承Lou Reed的风格。最初她只是和两三个人一起表演。她的音乐将摇滚乐的民粹主义与她充满诡异色彩的诗歌结合在一起，并不太注重音乐的平衡性，声嘶力竭的演唱与重金属般的节奏是她的注册商标，从她早期的音乐中不难发现这一点。

1946年， Patti Smith出生在新泽西州的Pitman。在她的音乐生涯中，她曾受过无数人的影响，如她的偶像Jim Morrison、Bob Dylan、Jimi Hendrix、TheRolling Stones、Lou Reed等。长大后，她的最大志愿就是去纽约实现她的艺术之梦，因为当时的纽约是前卫艺术的大本营，所以她千方百计打工攒钱以筹齐去纽约的路费。一到纽约她马上就沉浸到了这个城市的艺术氛围中，在那儿她遇见了前卫摄影家Robert Mapplethorpe和音乐人John Cale（前“地下丝绒”成员）等人。初到纽约时她靠在书店打工维生，空闲时替“Cream”、“Rock”等杂志写一些演出方面的追踪报导。她那本著名的诗集“Cowboy Mouth”就成形于那时。当时曼哈顿的音乐风景已从六十年代的激进摇滚转换方向，其中的先锋人物是一支著名的华丽摇滚乐队New York Dools。Mercer艺术中心不仅是当时摇滚乐队玩纯摇滚的天堂，而且还是文人墨客小聚的乐园。艺术中心在1974年关闭后，在Bowery一个叫CBGB的小酒吧成了新的前卫艺术俱乐部。此时，Patti招募到了吉他手Lenny Kaye、键盘手Richard Sohl、贝司兼吉他Ivan Kral和鼓手Jay Dee Daugherty组成了一支乐队， 并遇上出品人Jane Friedman。Friedman建议PattiSmith开口歌唱，而不要只是吟诵她的诗。他后来成为她的经纪人。乐队很快就动手录制作品，Television的主音吉他Tom Verlaine也拨刀助阵，他们录制的第一张细碟“Hey Joe／Piss Factory”很快卖了1600张，这给了他们很大的鼓励。“Hey Joe”是一首车库摇滚作品，“Piss Factory”则以Patti当年在新泽西一家工厂做工时的生产线经历为背景。

这次成功改变了他们的命运，1975年，乐队成了曼哈顿第一支签约主流唱片公司的的地下摇滚乐队。他们在CBGB一次演出引起了Columbia唱片公司老板，曾经发掘Laura Nyro和Janis Joplin的Clive Davis的注意。 Patti签了Davis新开的公司Arista。1975年5月，她的首张专辑“Horses”出版了，在摇滚乐界引起了广泛的轰动。 此专辑由John Cale制作。那一年，大野洋子和约翰·列侬刚刚从歌坛引退。

Patti Smith的词作触及了女同性恋、自杀和不明物等问题。作品首次实现了摇滚与诗歌的结合。 Patti的音乐是惊世赅俗的，对摇滚乐的冲击显而易见，她用生硬多刺的嗓音唱出：“Jesus died for somebody's sins but not mine.”这反映了她对规则的唾弃。 “我不是在写歌， ”她告诉“Melody Maker”说，“我只是在抱怨。”除了歌曲之外，另外她在唱片封套的构图上也施加了决定性的影响。她需要她的封面能捕捉她音乐中隐晦的意思。所以人们总是听到她和摄影师Robert Mapplethorpe无休止地争论着，比如能不能保住品质、有没有魅力等，然后又为什么叫魅力争辩着，最终谁都没能说服对方。不过那张著名的封套却是那个时代最出色的，与当时流行的女歌手专辑唱片封套截然不同，凝重的黑白图片对照鲜明仿佛有一种致幻的效果：照片中Patti瘦削的身影，牛仔裤、白衬衣，一条领带松松地吊在脖子上，居高临下，气宇轩昂。这在七十年代其它摇滚专辑中是很少见的。评论家Paul Taylor说：“我最初在澳大利亚一家店里看到这张专辑时，立刻就爱上了那封面，我不知道任何关于Patti Smith或Punk的事，但我在那图片的冲击下买下了那张唱片。它十分优雅又十分摩登。当我翻看摄影师名字时不自觉地想：Robert Mapplethorpe？ 他是哪路神仙？”过了许多年， “滚石”音乐杂志将“Horses”评为了“这个时代100张最伟大专辑”的第26名。

Patti傲慢的男性化的激进姿态是当时反叛女性的样版。她总是许多摇滚评论者的宠儿，一方面她本人也是一个写手，另外则是她传奇的经历。在她的艺术生涯中，她的偶像Bob Dylan对她的意义就等同于教皇的恩典。当Patti Smith比Bob Dylan更著名时， 她似Jim Morrison般不成熟的自毁形象仍是一个大问题。她从情感祭坛到耀眼星坛的过渡被烙上深深的记印。她又是一个孤独的好斗者，只凭直觉做事。她曾在《时代周刊》上写了一篇评论，讲述她在舞台表演时内心的紧张情绪以及天使与恶魔般的道义斗争。她是一个典型的双重人格者，在天才与乖僻、强力与怪异、艺术与癫狂之间游走。在她沉浸在音乐世界中时，听众并不是她主要要考虑的，她只属于她自己。在她的一首诗“Pinwheels”中她描述了一个烈焰般的女孩，这个狂热动的女孩显然就是她自己。尽管如此，她的音乐开始被摇滚歌迷广泛接受，因为她的激进刺激了歌迷的好奇心理。她的音乐对当时风花雪月的主流乐坛无疑掴了重重一耳光。不过，她的傲慢有时也会惹来别人的怒火，正当英国“New Musical Express”兴高采烈地宣称“Horses”是当时最好的专辑时，“Melody Maker”很不高兴地评论道，“‘Horses’只是业余水平，算不上是好的摇滚乐。”媒介对她的不满主要在于她对他们采访要求的态度冷淡。不过这对歌迷来说是次要的，“Sounds”杂志一位记者在一篇对Patti 1976年第一次在英国舞台上表演所作的访谈中写道：“太妙了！太妙了！演出简直刺激透了！她是我见过的唯一一位敢在舞台上吐唾沫的女歌手。”

Smith第二张专辑“Radio Ethiopia” 出版于1976年，但这一次没有引起评论界像对“Horses” 般的轰动。她的演唱事业在1977年1月遭到严重打击，她在佛罗里达州的Tempa一次表演时从台上摔了下来，扭伤了脖子。在住院期间，她写了另一本诗集“Babel”。1978年，Smith回到舞台，复活节那天她在CBGB组织了“复活” 音乐会， 随即推出第三张专辑“Easter”。这是一个光荣的回归，“Easter” 取得了她第一个Top 40，和Bruce Springsteen合写的“Easter”、“Because The Night” 都取得了很好的成绩， 在单曲榜名列前20名。如果说Patti Smith的回归是期待已久的惊喜，则取得排行榜前20名则是额外的红利，这使Patti惊喜万分， “哈哈，太好了！我们也有了热门金曲。”她对《滚石》杂志如是说。"

“我在欧洲呆得比美国多，那些买‘Horses’或‘Piss Factory’的孩子日后都成了英国Punk的先锋，像The Sex Pistols、The Clash或别的一些乐队。”Smith 1976年在英国的演出恰好引发了英国的Punk运动，不能不说她曾对这个臭名昭著的运动起到过重要的影响。但Patti很快就离开了摇滚前锋，在1979年“Wave”出版后，她于次年3月嫁给了MC5乐队的吉他手Fred “Sonic” Smith，在1988年那张“Dream Of Life”推出之前，她一直在底特律的家中做贤妻良母。从1971年2月第一次在圣马克教堂的200名观众面前表演，到1979年9月在意大利佛罗伦萨的7万名孩子面前演出，她的故事是光辉圆满的。据CD杂志“Ice”说法，Arista将推出Patti全部旧作的全新混音版，另外还有一些附加的歌曲。今年6月初将推出的新专辑名叫“Gone Again”，由吉他手Lenny Kaye制作。 其中有一首回应Nirvana“About A Girl” 的歌曲“About ABoy”送给英年早逝的Kurt Cobain。她巡回演出的助阵队伍也非常庞大，有U2的Bono，R.E.M.的Michael Stipe， Television的Tom Verlaine，还有著名吉他手Jeff Buckley。这张新专辑据说会充斥大量acoustic的吉他，folk式的歌声，显示她从未有过的柔情。另外，她的新书“The Coral Sea”也将在今年5月出版。Patti Smith是美国Punk乐的先驱，她以她的杰出才华和对摇滚乐发展的不朽贡献而在这个摇滚史上取得了令人仰慕的地位。她属于她那个时代，但每个时代都是建立在对过去时代的承袭上的。我们尊敬前辈，是为了更好地发展自己，鼓励自己。只有这样，时代又一步向前延伸，精神不断向前进步。

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　当朋克音乐如火如荼的发展的时候，当性手枪乐队横扫朋克摇滚乐坛的时候，一支朋克音乐的新生力量正在迅速崛起，这就是The Clash碰撞乐队。朋克音乐发展为今天的这种繁荣景象，The 起到了巨大的推动作用。

　　1976年，在朋克运动稳步发展的时候，几位英国小伙子在伦敦组建了The Clash乐队，他们是吉他手兼歌手Mich Jones、贝斯手Paul Simonor、吉他手Keith Lenine、鼓手Terry Chimes以及吉他手兼歌手Joe Strummer。同年，当他们出现在性手枪乐队的演出现场时，个性化的朋克音乐就为他们赢得了一致好评。9月，他们参加了在伦敦举办的101俱乐部朋克音乐节，这次演出使他们在当时的歌坛声名鹊起。但是Levine和 Chimes却在这是离开了乐队，他们走后，Topper Headon加盟The Clash乐队，此时的乐队才形成了组合的最佳状态。

　　1977年1月，The Clash签约CBS公司，4月份专辑《白色骚乱》推出，这是继性手枪《联合王国的混乱》后又一张朋克摇滚乐的力作，专辑中主唱激魂荡魄的演唱和乐队狂风暴雨般的演奏，在朋克乐坛中产生了巨大的影响，显示出非凡的实力，这张专辑也因此排在全英排行第38位。

　　1978年，在朋克乐坛最不景气的时候，The Clash却依然在努力进取。一张以《给他们足够的绳子》为名的专辑高居全英排行榜首。专辑中那种无所畏惧、热烈狂放的风格使他们成为英国摇滚乐坛上一流的朋克乐队。1978年后，The Clash乐队开始向大洋彼岸的美国进军，在唱片热卖的时候，大开演唱会，这正The Clash最辉煌时期的开始。1979年末，《伦敦的呼唤》专辑推出，乐队在这张专辑中融合了摇滚乐及流行音乐的风格，对激烈的朋克乐做了一些改变，这张专辑获得了排行榜27名的成绩。80年，一式三份的专辑《桑迪尼斯塔》发行，专辑以一种向上的朋克精神打动人们，居排行榜第24位。此后，The Clash乐队一直在为朋克运动的发展而积极努力。1982年，专辑《争斗摇滚》居排行榜第7位，并获得了白金唱片奖，而在这时，Headeon离开了乐队，Chimesy又重新加盟。83年，《摇滚凯什巴》和《我是应该留还是应该走》两首单曲容登排行榜第8名和地50名，而6月份美国音乐节高达500，000美元的出场费，更让The Clash乐队处于顶峰状态。

　　在一切的成功之后，浮躁的情绪也在冲击着The Clash乐队，由于乐队内部矛盾越来越严重，使他们的音乐直线下降。1986年，随着Stoumer和Simonor的离开，The Clash乐队解散。

　　虽然The Clash乐队并没有坚持走下去，可是他们对朋克音乐的造诣却有着不朽的成就，他们无疑是一支优秀的朋克乐队。

　从上个世纪六十年代走来的重金属音乐，时至今日，已经以它的“狂噪”吸引了无数疯狂的歌迷，在音乐的圣殿里，他似乎不仅仅给人听觉上的震撼，他其实是一部机器，一部轻易能够摧残建筑的机器，然而断壁残垣，满目沧痍并不是他们的目的，他们更擅长是在废墟上树立一种超脱的精神。

　　第一支金属乐队当属Led Zeppelin，尽管乐队在多年之后，曾经加入过一些民间音乐的成功，不管他们承认与否，它仍是世界公认的重金属先躯及代言人。

　　吉他手Jimny Page、歌手Robert Plant、贝斯手兼键盘手John Paul Jones以及鼓手John Bonban在乐队组成之前就是非常好的乐手及歌手了。乐队的前身为“庭院鸟乐队”，1968年10月正式更名为“Led Zeppelin”，乐队于1969年发行的专辑《LED ZEPPELIN II》被誉为重金属摇滚乐的奠基之作。这张精练了众多摇滚风格，创作狂噪扎人的唱片，定义了重金属是如此一种风格。同年11月，此专辑高居全美排行榜首138周之久，从而奠定了世界最伟大的摇滚乐队之一的位置。

　　1970年10月，《LED ZEPPELIN III》专辑发行，仍然反响极好，高居英美排行榜首。同时，乐队的巡回演出，更是为乐队赢得了数以百万记的歌迷。

　　1971年《LED ZEPPELIN IV》专辑推出，其中一首《天堂的阶梯》倍受青睐。静溢清晰的民谣箱琴渐入主唱忧郁的倾诉，即而，在飞速宣泄的吉他Solo声中，爆裂的金属乐淹没了整个乐曲，使人们的听觉和感觉在短短的几分钟内有了一个极大的反差。这首重金属的传世之作，在此后的许多年中，一直被视为金属迷的钟爱。

　　此后，Led Zeppelin过了几年安稳的生活，收入颇丰；《圣殿》、《烙印》、《礼物》专辑的发行仍然高居榜首。1976年，乐队的音乐电影《歌声依旧》使他们更加光彩夺目，同时被载入“曼迪逊广场花园演出乐队史册”。

　　1980年，乐队在西柏林举行了最后一场演出，同年9月，Bonban因酒精中毒死于自己房间内。12月，Led Zeppelin乐队宣布解散。